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NUESTROS SEMINARIOS

Casting y Audiciones

Objetivo: Brindar herramientas concretas para afrontar castings y audiciones con confianza, claridad y técnica. El seminario está centrado en el proceso de preparación y autopresentación del actor: cómo transmitir verdad, conectar con el personaje en poco tiempo y destacar en el ámbito profesional del audiovisual y las artes escénicas.

Enfoque:

  • Preparación emocional y técnica: Cómo llegar al casting con foco, energía y presencia.
  • Autopresentación efectiva: Primeras impresiones, presentación personal y conexión con el equipo de casting.
  • Trabajo con escenas de casting: Lectura, comprensión del texto y adaptación a distintas consignas.
  • Self-tape profesional: Aspectos técnicos y actorales para grabar desde casa con calidad y autenticidad.
  • Proyección profesional: Cómo armar y mantener actualizado tu material actoral (CV, fotos, videobook).

Contenido:

  • 1️⃣ Cómo afrontar un casting: Estrategias para controlar los nervios y conectar con la acción. Claves para comprender rápidamente las consignas del director o coach. Qué busca un director de casting y cómo generar una huella personal.
  • 2️⃣ Presentación y primera impresión: Cómo saludar, mirar y sostener la atención en pocos segundos. La importancia del tono, el ritmo y la energía al presentarse. Cómo proyectar seguridad sin rigidez ni sobreactuación.
  • 3️⃣ Self-tape y grabaciones desde casa: Recomendaciones técnicas: luz, sonido, encuadre y fondo. Cómo elegir el texto, el tono y el ritmo adecuados. Corrección de material grabado en clase con feedback técnico y expresivo.
  • 4️⃣ El camino profesional: Qué material necesito para postularme (fotos, videobook, CV). Dónde y cómo encontrar castings: agencias, plataformas, representantes. Cómo construir una imagen coherente y profesional como actor o actriz.

📌 Práctica intensiva: Simulacros de casting individuales y grupales. Ejercicios de presentación y lectura a cámara. Grabación y análisis de self-tapes con corrección personalizada. Preparación de escenas para audiciones reales o simuladas.

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Creacion de escenas
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Objetivo: Explorar el proceso de creación escénica a partir de improvisaciones, impulsos personales y materiales surgidos en clase. El objetivo es que cada alumno construya un personaje propio, con su conflicto, su mundo y su tono particular, para llegar a una escena original que pueda formar parte de la muestra final del seminario, o muestra MIX más adelante.

Enfoque:

  • Exploración personal: Indagación en la propia energía, ritmo y forma de expresarse para encontrar material auténtico.
  • Creación colectiva: Trabajo en grupos reducidos para generar escenas originales a partir de improvisaciones.
  • Construcción de personajes: Búsqueda del “propio personaje”, su conflicto y su relación con el entorno escénico.
  • Del impulso a la estructura: Cómo transformar un momento improvisado en una escena con principio, desarrollo y cierre.
  • Montaje integral: Ensamble, ajustes y puesta final de las escenas, que podrán presentarse en la Muestra Retro Mix o en una muestra especial de cierre del seminario, según el proceso del grupo.

Contenido:

  • 1️⃣ Improvisación y búsqueda de material: Ejercicios para abrir la espontaneidad y la imaginación. Observación de impulsos y reacciones genuinas. Registro de ideas, conflictos y situaciones que surgen en clase.
  • 2️⃣ Creación de personajes y conflictos: Desarrollo de un personaje propio desde lo corporal, emocional y simbólico. Construcción del vínculo entre personajes y sus objetivos dramáticos. Exploración de diferentes tonos: realismo, humor, absurdo, poético, etc.
  • 3️⃣ Estructura y escritura escénica: Cómo dar forma a una improvisación: principio, nudo y desenlace. Introducción a la dramaturgia de creación colectiva. Integración de texto, acción y ritmo escénico.
  • 4️⃣ Montaje y muestra final: Selección de escenas y trabajo de dirección colectiva. Ajustes técnicos y expresivos en la interpretación. Evaluación conjunta sobre la posibilidad de incluir el trabajo en la muestra de cierre.

📌 Práctica intensiva: Trabajo continuo con escenas creadas en clase. Exploración del proceso actoral desde la improvisación hasta la composición final. Enfoque en la autonomía creativa y la coherencia expresiva del intérprete.

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Interpretación frente a cámara

Objetivo: Entrenar la capacidad actoral para construir acciones precisas y orgánicas frente a cámara. El foco está en la práctica: cómo sostener la verdad escénica, el propósito de acción y la continuidad emocional en el ámbito audiovisual. El seminario busca desarrollar un trabajo técnico consciente, expresivo y ajustado a las necesidades del lenguaje cinematográfico.

Enfoque:

  • Propósito de acción: Cómo sostener una intención clara en cada toma, escena o momento dramático.
  • Economía expresiva: Ajustar gestos, ritmo y tono a la escala de la cámara sin perder intensidad.
  • Continuidad y coherencia interna: Mantener la lógica emocional entre repeticiones y distintos planos.
  • Escucha y reacción: Aprender a trabajar en relación al otro y al fuera de campo.
  • Práctica escénica con cámara: Grabaciones y análisis detallado del trabajo actoral, con devoluciones personalizadas.

Contenido:

  • 1️⃣ La acción como eje dramático: Identificar el objetivo del personaje y su propósito en cada momento. Comprender la diferencia entre “mostrar” y “hacer”. Cómo la acción genera verdad y naturalidad ante la cámara.
  • 2️⃣ El lenguaje audiovisual: Comprender cómo se traduce la actuación teatral al formato cinematográfico. Relación entre plano, encuadre y energía del actor. Trabajo sobre ritmo interno, pausas y subtexto.
  • 3️⃣ Práctica con escenas y ejercicios: Trabajo con escenas breves o microacciones grabadas. Análisis del trabajo individual y en dúo. Ajustes técnicos sobre foco, concentración y dirección de la energía.
  • 4️⃣ Revisión y análisis del propio material: Visionado de las escenas grabadas. Observación de la evolución actoral y la eficacia del propósito de acción. Reentrenamiento de escenas para afinar la interpretación.

📌 Práctica intensiva: Trabajo constante con cámara y devolución técnica. Ejercicios centrados en la precisión, la verdad y la acción escénica. Entrenamiento en foco, continuidad y presencia en cámara sin artificio.

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La emocion en la interpretacion

Objetivo: Desarrollar una actuación orgánica y realista, sin sobreactuación, mediante la imaginación y la acción física. Se trabajará la técnica de la acción física y el aquí y ahora, buscando una interpretación verosímil donde la emoción surja de la interacción real, incluso en monólogos.

Enfoque:

  • Utilización de la imaginación en lugar de la memoria emotiva.
  • Trabajo con relatos guiados, ejercicios físicos y pequeños textos (monólogos) para explorar arcos emocionales.
  • Conectar con el compañero en el presente y utilizarlo como punto de aplicación de la intención en el texto.
  • Control de la respiración dentro de la emoción.
  • La emoción desde la acción física: Se buscará que el desarrollo emocional no sea impuesto, sino provocado por la interacción con otro actor o estímulo real, incluso en un monólogo.
  • Presencia y organicidad en la interpretación: Técnicas para evitar la sobreactuación y potenciar la credibilidad del actor.

Contenido:

  • Exploración de la Acción y la Emoción: Descubrir cómo decir un mismo texto de manera orgánica sin modificar la intención y los objetivos del personaje. Acciones físicas como motor emocional: Experimentación con acciones concretas para generar estados emocionales auténticos. Trabajo con monólogos: Se abordan textos dramáticos, de poesía y de teatro.
  • Métodos de exploración emocional: Exploración a través de imágenes y ejercicios de improvisación guiada. Trabajo con impulsos y respuestas orgánicas para que el cuerpo y la respiración activen la emoción en lugar de buscarla de manera artificial.
  • Puesta en escena y práctica de la técnica: Uso del espacio y el cuerpo en la construcción emocional. Técnicas para evitar el bloqueo físico y liberar el flujo expresivo.
  • Ejercicios prácticos y feedback: Técnicas de presencia y control de la respiración en la emoción. Evaluación y ajuste de la interpretación en función de la verdad escénica y la conexión con el compañero.
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Rítmica, expresión corporal y vocal

Objetivo: Explorar y desarrollar la voz y el cuerpo como herramientas fundamentales para la interpretación, brindando a los actores mayor control y expresividad en escena.

Enfoque:

  • El cuerpo y la voz como instrumentos expresivos: La actuación no es solo emoción e interpretación del personaje, sino también comunicación a través del cuerpo y la voz.
  • Descubrimiento del propio cuerpo: Ampliar la conciencia corporal para potenciar la presencia escénica.
  • Cuidado y preparación vocal: Técnicas de respiración, proyección y exploración vocal.
  • Juego y exploración de personajes: Trabajo con diferentes voces y movimientos para descubrir nuevas posibilidades expresivas.

Contenido:

  • Expresión corporal: Principios de la comunicación no verbal en escena. Ejercicios para desbloquear tensiones y ampliar la disponibilidad corporal. Uso del ritmo y la dinámica del movimiento para crear significados escénicos.
  • Expresión vocal: Técnicas básicas para el cuidado y calentamiento de la voz. Uso de la voz como herramienta expresiva: timbre, tono, volumen e intención. Experimentación con distintas voces para crear personajes.
  • Integración de cuerpo y voz en la interpretación: Juegos y ejercicios para combinar movimiento y voz en la escena. Creación de personajes a través del trabajo vocal y físico. Exploración de la relación entre emoción, voz y expresión corporal en distintos registros actorales.

📌 Ejercicios prácticos: Dinámicas de ritmo y expresión física. Prácticas de modulación y exploración vocal. Escenas cortas utilizando el cuerpo y la voz como elementos principales de interpretación.

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Shakespeare

Objetivo: Profundizar en el universo poético, emocional y psicológico de los personajes de William Shakespeare. A través de improvisaciones y trabajo sobre monólogos, los alumnos explorarán las fuerzas internas que mueven a los personajes shakespearianos —sus deseos, contradicciones y pasiones extremas— para conectar de manera orgánica con lo humano y lo universal de su teatro.

Enfoque:

  • Improvisación como puerta de entrada: Conectar con los impulsos primarios y las emociones profundas que habitan en los personajes.
  • El conflicto psicológico: Comprender cómo las tensiones internas generan acción dramática y definen las relaciones entre los personajes.
  • Mundos de Shakespeare: Exploración de contextos donde conviven lo trágico y lo cómico, la nobleza y la miseria, lo elevado y lo terrenal.
  • La palabra y el cuerpo: Cómo la poética del texto se traduce en acción, ritmo y energía escénica.
  • Monólogos y escenas emblemáticas: Trabajo técnico y expresivo sobre fragmentos representativos de su obra.

Contenido:

  • 1️⃣ El universo shakespeareano: Introducción a los temas recurrentes: poder, amor, traición, destino, locura y ambición. Comprender el alma humana a través de personajes que viven en los extremos de la emoción. Cómo Shakespeare trasciende su época y sigue hablando de lo que nos constituye como seres humanos.
  • 2️⃣ Improvisación y construcción del personaje: Ejercicios para entrar en el conflicto interior de personajes como Hamlet, Lady Macbeth, Desdémona, Iago, Julieta o Lear. Uso del cuerpo y la voz como canales de lo instintivo y lo poético. Exploración del impulso, la acción y la verdad escénica desde lo más visceral.
  • 3️⃣ La palabra y su música: Trabajo sobre el verso y la prosa shakespeareana: ritmo, respiración y sentido. Cómo la palabra es acción: hablar como una forma de hacer. Práctica con monólogos y fragmentos breves, buscando una expresión personal y contemporánea.
  • 4️⃣ Escenas y poética final: Montaje de breves escenas o monólogos con acompañamiento del docente. Ajustes técnicos y expresivos para potenciar la profundidad emocional. Puesta final en formato laboratorio o muestra abierta (según el proceso grupal).

📌 Práctica intensiva: Exploración de los impulsos dramáticos en escenas y monólogos. Integración entre cuerpo, texto y emoción.

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Monólogos de Humor

Objetivo: Brindar herramientas y técnicas para la creación y presentación de monólogos de humor, permitiendo a los participantes confeccionar sus propios textos y desarrollarlos en escena.

Enfoque:

  • Técnicas para hacer reír: Recursos del humor aplicados al monólogo.
  • Diferencias entre ser gracioso en la vida cotidiana y en el escenario: Cómo trasladar el humor espontáneo a una estructura escénica.
  • Trabajo con el público: Cómo conectar con la audiencia y manejar el timing del humor.

Contenido:

  • Creación del Monólogo: Elementos clave en la estructura de un monólogo de humor. Tipos de humor y cómo aplicarlos a la escritura. Estrategias para generar impacto y remates efectivos.
  • Recursos fundamentales del humor: Manejo del contrapunto (expectativa vs. realidad), Bisociaciones (asociación de ideas dispares), Cambios de eje (replanteo repentino) y Lo defectuoso (exageración).
  • Interpretación y puesta en escena: Técnicas de expresión y ritmo. Uso del cuerpo y la voz en la comedia. Creación de un personaje cómico. Adaptación y timing (medir silencios y reforzar el impacto).

📌 Práctica intensiva:

  • Simulación de público: Estrategias para adaptarse a la respuesta del público y modular el ritmo.
  • Ejercicios prácticos: Improvisación, exploración de estilos y creación de chistes y remates.
  • Reescritura y prueba: Cómo pulir un monólogo con base en la respuesta del público y el ensayo.

Posibilidad de muestra con público real: Si el grupo lo desea, se podrá realizar una presentación abierta post-seminario.

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Introducción a la Dramaturgia

Objetivo: Brindar una introducción práctica y reflexiva a las herramientas fundamentales de la dramaturgia: estructura narrativa, construcción de personajes, desarrollo del conflicto y diseño de la curva dramática. El seminario busca que cada participante comprenda los mecanismos internos de una historia teatral y, al mismo tiempo, encuentre su propia voz creativa y poética como autor o creador escénico.

Enfoque:

  • Estructura narrativa: Comprender cómo se organiza una historia para generar tensión, avance y sentido.
  • Construcción del conflicto: Descubrir qué pone en movimiento a los personajes y cómo se mantiene el interés dramático.
  • Personaje y deseo: Analizar qué impulsa a los personajes, cómo se enfrentan a sus obstáculos y cómo evolucionan.
  • Curva dramática y clímax: Identificar los momentos de mayor tensión emocional y cómo conducir la acción hacia un desenlace orgánico.
  • Identificación y empatía: Cómo lograr que el espectador se reconozca en los conflictos y emociones de la historia.
  • Creación personal y poética: Desarrollar una voz propia mediante ejercicios de escritura y exploración simbólica.

Contenido:

  • 1️⃣ Fundamentos de la estructura dramática: Principio, desarrollo, clímax y desenlace: anatomía de una historia. Análisis de modelos clásicos y contemporáneos de construcción narrativa. Cómo el conflicto sostiene la acción y da sentido al relato.
  • 2️⃣ Personajes y relaciones: Creación de personajes complejos, con deseos, contradicciones y evolución. Cómo las relaciones entre personajes generan movimiento dramático. Ejercicios de escritura para descubrir el tono y la voz de cada personaje.
  • 3️⃣ El conflicto y la curva dramática: Qué hace que una historia avance. Cómo dos fuerzas opuestas construyen tensión. Trabajo sobre la progresión dramática hasta el punto de clímax.
  • 4️⃣ La poética personal y la escritura creativa: Ejercicios para estimular la imaginación, la metáfora y la escritura emocional. Creación de escenas breves o inicios de obras propias. Búsqueda de una voz autoral singular y expresiva.

📌 Práctica intensiva: Ejercicios semanales de escritura guiada y análisis grupal. Construcción de escenas o fragmentos propios con acompañamiento docente. Integración entre técnica estructural y libertad creativa.

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